Solo dopo tanti giorni (ieri) sono riuscito a trovare un’immagine dei gravissimi danni della chiesa di Santa Maria di Collemaggio causati dal terremoto che ha devastato L’Aquila e i piccoli centri del circondario: ho passato molto tempo (nell’ultima settimana) ad inseguire gli aggiornamenti dei maggiori siti d’informazione – non tanto per rinnovare la drammatica conta dei morti, quanto per sapere come stavano le chiese abruzzesi. Le notizie si accavallavano, i nomi (Proust direbbe i Nomi e i Luoghi) si confondevano, con errori e approsimazioni giornalistiche dovute al doveroso prevalere della priorità della vita (il conto dei morti) su quella dell’arte (la sopravvivenza dei capolavori). Ma alla constatazione (ieri) della grave ferita, dello squarto che ha sfigurato la chiesa, si è accompagnato il piacere (un piacere senza consolazione) di aver scoperto il bellissimo blog di Giuseppe Frangi – del quale avevo letto, molti anni fa, il piccolo e tenerissimo libro dedicato allo stendardo di Orzinuovi.

Robe da chiodi

Vi invito caldamente a visitarlo.

Cominciamo con un dipinto famosisissimo e contemporaneo… direi alle origini dell’ arte contemporanea Non voglio dirvi altro, almeno per ora. Ci vuole colpo d’ occhio… Ditemi dunque autore e titolo del dipinto in questione. E’ FACILISSIMOOO!

Buon divertimento con questo mio nuovo giochetto… :-) ma la prossima volta vi tedierò con un post a base del mio consueto birignao storico-artistico…  

 Questa volta ci avviciniamo di più alla nostra epoca: penso che possa bastare come primo indizio…Dunque avanti, sotto con i nomi… voglio titolo e autore dell’ opera d’ arte in questione…

Se nella vita è la mente che, alla lunga, ti frega… così il corpo, nell’ arte, può dare delle fregature: i corpi dipinti… dopo Bacon sembravano impossibili… ma la pittura di Lucien Freud ha portato questa impossibilità ancora più in là… verso un limite di confine estremo, oltre il quale sembra impensabile andare. Bacon e Freud, prima l’ uno poi l’ altro, ritornano al corpo… e il ritorno quando è impossibile o illusorio (come il ritorno all’ infanzia) si fa esperienza diretta del tormento. Forse era così anche, secoli fa, per il protagonista immaginario de “Il capolavoro sconosciuto” di Balzac… meravigliosamente analizzato ne “La pittura incarnata”, il bellissimo saggio di Didi-Huberman.

Anche Gasparro sembra passare, ritornare di nuovo nella carne del tormento: in quella sacrosanta maledizione, e ossessione, che è il corpo. Ma… ritornare al corpo per ritornare alla pittura… o viceversa? Vedremo, tra qualche tempo, cosa succederà ai corpi dipinti di Gasparro. Se la materia pittorica s’ incarnerà sempre di più, fino a incancrenirsi – come era successo all’ ultimo Pontormo – oppure no. Io non saprei fare previsioni, mi limito ad aspettare pazientemente. Ma prima o poi, a mio modo di vedere, ci sarà un’ inevitabile catarsi per tutti quei corpi… una graticola sulla quale si purificherà la carne dipinta.

Odilon Redon

«Ho sempre provato la necessità di copiare la natura in oggetti minuti,   particolari, fortuiti.
Soltanto dopo lo sforzo di volontà compiuto per rappresentare minuziosamente un filo d’erba, un ciottolo, un ramo, un brandello di muro vecchio sono preso come dal tormento di creare qualcosa di immaginario. La natura esteriore, così recepita e dosata, diventa, per trasformazione, la mia fonte, il mio fermento». (Odilon Redon)

Jan vanHuysum

Sono sempre stata attratta dai fiori dipinti, sono fonte inesauribile di colori e forme, in particolare i pittori del Nord, Olandesi, Fiamminghi nel diciassettesimo secolo (ad esempio Jan Davidsz. de Heem o Jan vanHuysum…) sono stati maestri nel “riprodurre” composizioni floreali  pregevoli per  delicatezza, i ritmi naturali che intercorrono tra il  gambo e le foglie, tra i vari colori e i tipi di piante. Hanno catturato la fragile bellezza dei fiori e il senso di speranza e gioia che essi rappresentano. Le loro composizioni appiaiono vive  e  viene da credere che il loro profumo e non il pennello dell’artista, abbiano  attratto  coccinelle e  api nei loro petali.  Sicuramente realistiche questa tele, ma forse non fino in fondo molti dei mazzi di fiori che loro dipinsero mai avrebbero potuto esistere in natura, insieme e fioriti nello stesso periodo dell’anno e la loro abiltà è stata anche nel creare effetti che la natura  non poteva uguagliare.

Georgia O'Keeffe

Molti pittori si sono cimentati in composizioni floreali, si ricordano sempre i fiori di Van Gogh o quelli di  Pierre-Auguste Renoir o   in tempi recenti quelli di Georgia O’Keeffe, tuttavia i fiori di Odilon Redon hanno un’ “atmosfera” diversa.

Odilon Redon

Odilon stringe una  profonda amicizia col botanico Armand Clavaud,  che lo avvia alle  teorie di Charles Darwin e gli “regala” la passione per i fiori, che lo accompagnerà fino alla fine e a partire dal 1900 inserì le nature morte floreali, da sole o sullo sfondo di latri quadri, in rutte le esposizioni a cui prese parte.

Fantin-Latour

Stringe una salda amicizia anche con il pittore Henri Fantin-Latour, grande “narratore di fiori”, ma il cui approccio alla composizione floreale  è fondamentalmente realistico, anche se venato di “fantasia”,  i suoi fiori sono sempre e comunque fiori reali, rigogliosi e magnifici nei loro colori e nelle forme preziose.

Redon  al contrario “racconta” la realtà attraverso la memoria e l’immaginazione, donando alle sue tele una valenza evocatrice che travalica l’aspetto esteriore dei fiori.

Odilon Redon

C’è grande armonia tra i dolori e le forme, i colori diventano anche parte integrante del segno e sono quelli  della mnatira nel suo splendore e anche quando le tinte si fanno piu’ scure persiste la tenerezza della sfumatura che gioca spesso in trasparenze anche con le altre figure delle tele e che rivela la sua predilezione per il sogno e la fantasia.

Le sue pennellate sono spesso ovattate di colori accesi e spesso dissonanti sulle quali sono  “sparse”  piccole pennellate vibranti, a tratteggio o a piccoli tocchi liberi per sfrangiare la materia, mostrando una realtà dipinta altamente visionaria che raggiunse quasi  l’astrazione, liberandosi da ogni vincolo compositivo.

Per chi volesse ho messo on line un album con circa cinquanta composizioni floreali qui: ODILON REDON

Chicca

Le sue vedute romane e le sue opere astratte non lasciano scampo a chi, a tutti i costi, sente il bisogno di andare a cercare precedenti esperienze artistiche cui aggrapparsi in cerca d’ un sicuro approdo critico: se vengono in mente gli acquerelli veneziani di Turner, subito si nota qualcosa che potrebbe far pensare a Basquiat. Eppure non siamo nella metropolitana di New York; siamo a Roma. E in effetti c’ è qualcosa che ricorda la tavolozza romana di Corot, ma all’ improvviso saltano fuori anche i colori tunisini di Klee… Lungo questa rotta non c’è pace. E allora, che fare? Bisogna evitare di lasciar cedere gli ormeggi lungo le solite rotte retrograde. E’ meglio arrendersi subito al cospetto dell’ originalità, allo stesso tempo colta e spontanea, che pervade i bellissimi dipinti di Orio.

Quasi non ci fosse bisogno di aggiungere altro, il lettore, senza che venga “costretto” ad assumere un ruolo diverso da questo, sembra dunque ritrovarsi in quella “conditio” di incantevole discrezione che è indispensabile per percepire, nella sua pienezza, il piacere di leggere: quello che si prova seguendo i testi e guardando le immagini di “Arte e artisti” è forse una sensazione di soddisfatta sazietà – che con prudente saggezza non varca mai la soglia pericolosa della prolissità, o dell’ingordigia.

«Somiglianza e similitudine, in riferimento al fatto che nella blogosfera vengono riprese e rilanciate, a livelli originali e più radicali, riflessioni e pratiche sviluppatesi in tutto il ‘900 attorno all’intreccio parola/immagine.” …. “prendendo le mosse da un libero uso di alcuni testi di Gilles Deleuze (soprattutto il saggio su Francis Bacon) e di Michel Foucault (scritti vari, e in particolar modo: “Le parole e le cose”, “Questa non è una pipa”, “La pittura di Manet”)».

Rifacendomi a quel tipo di intreccio tra parole e immagini, io dicevo e ribadisco anche ora che mi ritrovo in tutte e due le definizioni, sia di Somiglianza , sia di Similitudine e faccio una disinzione (personalissima) che si può condividere o meno, ma che mi appartiene profondamente.

Mi approccio al livello della Somiglianza e lo faccio scentemente quando parlo di dipinti dove la rapprentazione pittorica fa riferimento ad una “figura” (in senso lato) che può in qualche modo far riferimento ad un modello; e scelgo con cura la figura sia per narrare a mio modo la tela , sia per narrare al modo che è diventato consueto e comunemente accettato..

Mi avvicino al livello della Similitudine quando “creo” una immagine che non ha modelli referenziali, ma mi appartiene: è come se io mi creassi un “vuoto mentale” e al suo interno collocassi elementi senza inizio e senza fine che si ricorrono e si prendono e si lasciano, come se ci fosse nell’aria quello che Lorca definisce il “duende”:

«Brucia il sangue come un topico di vetri, che prosciuga, che respinge tutta la dolce geometria appresa, che rompe gli stili».

E’ come se, dice bene Foucault, vi fosse un ripetersi che oltrepassa il tutto. Questo nelle immagini frattali è assolutamente evidente, ma anche in altre immagini della grafica digitale è presente ed è l’elemento che da’ a chi la pratica la “magnifica illusione” di creatività: magnifica illusione, perchè ho molti dubbi sulla creatività e mi sembra qui improprio parlarne…

Dico spesso che io gioco con le immagini, perchè le immagini che costruisco sono molte volte
figure che non rimandano a nulla, è chi le guarda che può – se vuole - associare ad esse la parola, la dimensione ludica mi appartiene e di conseguenza appartiene anche ai “paciughi” che faccio!!! .

In questo caso specifico le immagini che ho creato fanno riferimento al livello della Similitudine e si intersecano con una “parola” particolare: la musica.

Non parola/immagine, ma musica/immagine.

E piu’ precisamente la musica di Chopin, da sempre odiata perchè legata allo studio del pianoforte, e che una volta liberata dal vincolo dello “strumento” ho riscoperto e tanto amato: in particolare il Notturno in Do minore, Op. 48 No. 1 ( Notturno No 13)

E’ uno dei piu’ lunghi e dei piu’ intensi e sofferti, ed è senza dubbio il diario intimo di uno Chopin che stava soffrendo. La prima parte è quello che si definisce un “lento” ed è seguito da un “poco piu’ lento”, in cui sembra arrivare come un filo di speranza e di luce, ma è solo una impressione fuggevole, poco a poco il volume aumenta per giungere ad un finale appassionato che si snoda in momenti sempre più romantici e tormentati, per finire in un lungo lamento, che io spero si concluda con pensieri di nostalgia e non di disperazione: i due “segni grafici” fatti al computer sono il mio immaginario che ripercorrono il primo la malinconia struggente del “lento” e il secondo il desiderio di una possibile speranza.

(Il passo successivo per quel che mi riguarda potrebbe essere musica/immagine/parola)

Chicca

"Ode to the Muse", di Serena Triacca

«E’ un autoscatto allo specchio di diversi anni fa, avevo realizzato una piccola serie. Sono ritornata su Ibrid@menti a leggere il primo post di Musa/Medusa e concentrandomi sugli aggettivi che hai utilizzato ho giocato un pò con i pennelli di Photoshop, per fare emergere la “medusa”… » (Serena Triacca)

Ringrazio Serena per questa sua immagine “ispirata” alla/dalla nostra rubrica, e che pubblico volentieri in questo nuovo post. Credo che sarebbe bello inaugurare (magari più in là) qualche “seduta” di analisi sulle immagini (artistiche e non) create e proposte anche dai nostri visitatori… non farò sgangherate letture “da tarocchi” e non proporrò rivelazioni alla “In treatment” , ma penso che potrebbe essere molto interessante… se non altro per suggerire percorsi di approccio e approfondimento, tramite esempi concreti, sul nostro rapporto con le immagini nel virtuale (blog, etc…). Ci penserò su… mumble, mumble…

"Immagine del Caravaggio", catalogo e allestimento

Siamo dunque a metà degli anni Settanta, più di trent’ anni fa. Tornando ai nostri giorni, ho appreso grazie al sito di Repubblica che a Torino è in corso una mostra “impossibile” dedicata a Caravaggio, con la quale vengono presentate le riproduzioni di tutti i dipinti attribuiti al Merisi in un’ unica occasione espositiva: un evento irrealizzabile a voler usare le opere autentiche, dal momento che non è neanche pensabile il tentativo di chiedere in prestito i capolavori più importanti – ad esempio, le tele di San Luigi dei Francesi, a Roma, non possono più varcare la soglia della cappella Contarelli: da quanto ne so l’ ultima loro uscita risale al 1951, quando vennero esposte a Milano, nelle sale appena restaurate di Palazzo Reale, in occasione della famosa grande mostra voluta da Longhi (durante la quale il “San Matteo e l’ Angelo” avrebbe addirittura subito dei danni, subito riparati tramite un immediato restauro).

Caravaggio "impossibile"

Le riproduzioni virtuali proposte nella mostra torinese sono ad alta risoluzione digitale, e proiettate su sottili monitor piatti che dovrebbero riproporre le identiche dimensioni dei dipinti originali. E fin qui va tutto benissimo: non posso far altro che esprimere i miei più sinceri complimenti per questa iniziativa. Eppure, a guardare le fotografie dell’ allestimento, sembra che le stesse immagini digitali del Caravaggio provino un certo disagio per come sono state sistemate: pannelli e schermi montati su striminziti supporti color porpora, ammassati nei corridoi di uno sgargiante foyer teatrale, fra caloriferi e segnaletiche da via d’ uscita. Un ambiente ideale per uno sbrigativo buffet, ma forse troppo ostico per accogliere decentemente una mostra. Molto diversa doveva essere l’ atmosfera che circondava le proiezioni della esposizione del 1974, con il variare dell’ oscurità fra i fasci di luce colorata, e con gli schermi dove gli audiovisivi montati da Livio e Piero Castiglioni lasciavano scorrere le immagini di tutte le opere del Merisi, accompagnate da brani musicali dell’ “Orfeo” di Monteverdi.